Direção:  Lisa Immordino Vreeland (nora de Diana) Duração:  86 minutos Gênero:  Documentário biográfico Idioma:  Inglês Distribuição:  Samuel Goldwyn Films Quem foi Diana Vreeland? Diana Vreeland (1903–1989) foi uma das figuras mais icônicas e influentes da história da moda. Ela revolucionou o jornalismo de moda, sendo editora de moda da Harper’s Bazaar  por 26 anos, editora-chefe da Vogue  de 1963 a 1971 e posteriormente, consultora especial do Costume Institute do Metropolitan Museum of Art , onde transformou a moda em arte e cultura. Sobre o documentário “The Eye Has to Travel” não é um documentário linear convencional, é um retrato artístico e envolvente, feito a partir de entrevistas, imagens de arquivo, capas de revistas, recriações visuais e trechos com a própria Diana. A narrativa celebra a vida extraordinária, excêntrica e visionária da personagem principal. Principais Temas Abordados Infância e Inseguranças Diana nasceu em Paris e viveu uma infância emocionalmente turbulenta, com uma relação difícil com a mãe, que a considerava "feia". Essa vivência moldou sua obsessão por beleza não como perfeição, mas como algo único e fora dos padrões. Entrada no Mundo da Moda Começou sua carreira tardiamente, aos 30 anos, como colunista de moda da Harper’s Bazaar , onde criou a lendária coluna “Why Don’t You…?”   com ideias ousadas e excêntricas de estilo e comportamento. Sob direção de Carmel Snow e ao lado do fotógrafo Richard Avedon, ela transformou a linguagem visual da moda, inserindo dinamismo, movimento e drama nas páginas editoriais. Revolução na Vogue Quando assumiu a Vogue  nos anos 60, trouxe uma nova estética ousada, psicodélica, multicultural e irreverente. Ela acreditava na moda como fantasia, escapismo e empoderamento. Descobriu e lançou modelos e celebridades como Twiggy, Lauren Bacall, Veruschka, Cher e Edie Sedgwick, expandindo os padrões de beleza e protagonismo feminino. Através de capas e editoriais provocativos, ela desafiou os limites do bom gosto e da normalidade. Estilo e Filosofia de Vida Para Diana moda era mais que roupa, era arte e performance. A célebre frase "The eye has to travel"  resume sua filosofia: o olhar deve se mover, buscar o extraordinário, sair da mesmice. Defendia que a imaginação era mais importante que a realidade, e seu trabalho editorial era uma ode ao sonho, à transformação e à teatralidade. Contribuição ao Met e Legado Após ser afastada da Vogue  nos anos 70, Vreeland foi para o Met Museum e revolucionou a maneira como a moda era vista no contexto artístico. Criou exposições memoráveis que misturavam história, cultura e drama, tornando-se referência para curadores e estudiosos da moda. Seu legado ecoa até hoje em editoriais, filmes, desfiles e na forma como a moda é comunicada. Frases icônicas de Diana Vreeland no documentário “There’s only one very good life, and that’s the life you know you want and you make it yourself.” (“Só existe uma vida realmente boa: a que você sabe que quer e faz por si mesma.”) “Style all who have it share one thing: originality.” ( “Todos os que o possuem estilo compartilham uma coisa: originalidade.”) “I loathe narcissism, but I approve of vanity.” ( “Detesto o narcisismo, mas aprovo a vaidade.”) “The only real elegance is in the mind; if you’ve got that, the rest really comes from it.” ( “A única verdadeira elegância está na mente; se você tem isso, o resto realmente vem dela.”) Um ótimo documentário para entender a construção da moda editorial como uma linguagem artística e conhecer os bastidores das revistas mais influentes do século XX.

Nome completo : Pamela Rosalind Grace Coddington Nascimento : 20 de abril de 1941, na ilha de Anglesey, no País de Gales, Reino Unido Filha de hoteleiros, cresceu em um ambiente recluso, apaixonada por moda desde cedo seu contato com o mundo fashion vinha sobretudo das páginas da Vogue que chegavam atrasadas à ilha. Carreira como modelo Aos 18 anos, inscreveu-se e venceu a categoria “Young Model” num concurso da British Vogue (1959), fotografada por Norman Parkinson. Tornou-se figurinha conhecida da cena Swinging London dos anos 60, trabalhando com nomes como David Bailey e tendo cabelo cortado por Vidal Sassoon. Aos 26 anos, sofreu um grave acidente de carro que a levou a reconstrução facial e a encerramento prematuro da gravidez, marcando sua transição para o editorial. Virada : de modelo a editora Em 1969, Beatrix Miller a contratou como editora júnior na British Vogue, onde trabalhou por 19 anos, tornando-se editora. Em 1988, foi convidada por Calvin Klein para Nova York e pouco depois, juntou-se à equipe da American Vogue com Anna Wintour tornou-se Creative Director em 1995. Legado na produção editorial Famosa por produções dramáticas, narrativas visuais e estética quase cinematográfica, destacando-se como ponte entre arte e moda. Trabalhou com fotógrafos renomados como Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Steven Meisel, Bruce Weber, entre outros. Sessões icônicas incluem : “Alice in Wonderland” (Annie Leibovitz, 2003) “Misfits” com Isabeli Fontana (2004) No cinema : “ The September Issue ” Protagonista ao lado de Anna Wintour no documentário de 2009 sobre a criação da maior edição de setembro da Vogue americana (2007). Aclamada pela crítica considerada a “verdadeira estrela” do filme. Livros **“Grace: Thirty Years of Fashion at Vogue”** (2002, Phaidon) Retrospectiva visual dos anos em Vogue . **“Grace: A Memoir”** (2012, Random House) Autobiografia ilustrada, com memórias e momentos marcantes **“Grace: The American Vogue Years”** (2015/2016) Coletânea de editoriais nos EUA **“The Catwalk Cats”** (2006) Livro de ilustrações de seus gatos queridos **“Marc Jacobs Illustrated”** (2019) Seus desenhos sobre as coleções de Marc Jacobs . Prêmios e colaborações CFDA Lifetime Achievement Award (2002) e Clio Award (2016) . Lançou a fragrância “Grace by Grace Coddington” com Comme des Garçons (2016), garrafa em forma de gato, símbolo de sua paixão felina . Louis Vuitton Capsule Collection (2018) com ilustrações de gatos, em parceria com Nicolas Ghesquière . Após 2016, passou a trabalhar como creative-director-at-large, como responsável por campanhas externas (Tiffany & Co., Louis Vuitton) . Vida pessoal e atualidades Vive em Nova York e em sua casa de fim de semana em Wainscott, Long Island, com o parceiro Didier Malige (desde 1986) e vários gatos . Aos 83 anos, continua ativa em projetos criativos: murais, design, nova linha de cerâmicas, fragrâncias e ilustrações. Reconhecida por seu perfeccionismo, humor mordaz e irreverência sempre fiel ao seu estilo criativo , ela elevou a produção editorial a um nível de storytelling visual, inspirando gerações com estética e autenticidade artística.

A moda é uma forma de expressão, e entender os 7 estilos universais é como desvendar um mapa do comportamento humano traduzido em roupas. Essa classificação nasceu da consultoria de imagem  e se consolidou nas décadas de 1980 e 1990, especialmente através dos estudos da americana Alyce Parsons , que sistematizou esses estilos como uma ferramenta para identificar a essência visual de cada pessoa. Cada indivíduo pode ter até três estilos predominantes um principal e dois complementares e essa combinação reflete a sua personalidade. Como Surgiram os Estilos Universais? Os 7 estilos universais foram desenvolvidos dentro da consultoria de imagem como forma de guiar pessoas a encontrarem uma identidade estética alinhada à sua essência. A proposta é ir além da moda passageira e ajudar o indivíduo a entender quem ele é , como se sente , e o que deseja comunicar  com sua aparência. Essa metodologia é aplicada mundialmente e serve tanto para o autoconhecimento quanto para estratégias profissionais em moda, marketing pessoal e branding. Os 7 Estilos Universais Estilo Clássico Palavras-chave: elegância, sobriedade, tradição. Características:  roupas de cortes retos, alfaiataria, tecidos estruturados e cores neutras. O estilo clássico preza pela atemporalidade e discrição. Nada é exagerado ou chamativo. Exemplo de peças:  blazer bem cortado, camisa branca, calça de alfaiataria, scarpin. Inspiração:  Kate Middleton, Carolina Herrera. Ideal para quem quer transmitir seriedade, estabilidade e refinamento. Estilo Esportivo (ou Natural) Palavras-chave: roupa confortável, praticidade, simplicidade. Características:  peças soltas, tecidos naturais, modelagens básicas e funcionais. O estilo esportivo valoriza a liberdade de movimento e o conforto acima de tudo. Exemplo de peças:  jeans, camiseta básica, tênis, jaquetas leves, tecidos de algodão e malha. Inspiração:  Jennifer Aniston, Gisele Bündchen. Ótimo para pessoas práticas, descontraídas e que têm um estilo de vida ativo. Estilo Elegante (ou Refinado) Palavras-chave:  sofisticação, luxo discreto, harmonia. Características:  roupas de alta qualidade, tecidos nobres (seda, crepe, linho), combinações monocromáticas ou tons sóbrios, acessórios de bom gosto. Exemplo de peças:  vestido de seda midi, bolsa estruturada, salto fino, trench coat. Inspiração:  Meghan Markle, Victoria Beckham. Perfeito para quem deseja transmitir poder, sofisticação e autoridade com discrição. Estilo Romântico Palavras-chave:  muita delicadeza, feminilidade, doçura. Características:  uso de babados, laços, rendas, florais, tons pastéis e modelagens suaves. O romantismo também aparece em estampas suaves e tecidos leves. Exemplo de peças:  vestido floral fluido, blusa com gola laço, saia rodada, sapatilha. Inspiração:  Zooey Deschanel, Elle Fanning. Ideal para quem gosta de transmitir suavidade, afetividade e um ar nostálgico. Estilo Criativo Palavras-chave:  originalidade, ousadia, arte. Características:  mistura de estampas, cores vibrantes, sobreposições e combinações inusitadas. O estilo criativo não segue regras fixas e celebra o inédito . Exemplo de peças:  mix de estampas, acessórios statement, cortes assimétricos, peças vintage. Inspiração:  Iris Apfel, Solange Knowles. Indicado para quem quer mostrar autenticidade, irreverência e não tem medo de ser notado. Estilo Dramático (ou Urbano) Palavras-chave:  impacto, poder, presença. Características:  looks marcantes, silhuetas fortes, cortes geométricos, cores escuras (especialmente o preto), e uma atitude misteriosa e ousada. Exemplo de peças:  blazer estruturado, bota over the knee, vestido assimétrico, maxibrincos. Inspiração:  Cate Blanchett, Tilda Swinton. Perfeito para quem quer causar impacto e ser lembrado como alguém poderoso e imponente. Estilo Sexy Palavras-chave:  sensualidade, confiança, atração. Características:  peças que evidenciam o corpo com recortes, decotes, fendas, tecidos justos e brilho. O estilo sexy valoriza o corpo sem necessariamente cair na vulgaridade. Exemplo de peças:  vestido colado, decote profundo, salto alto, fenda lateral. Inspiração:  Kim Kardashian, Megan Fox. Ideal para quem quer expressar feminilidade com força, desejo e segurança. A Combinação dos Estilos Ninguém é 100% de um estilo. A grande riqueza está na combinação entre eles . Uma mulher pode ser clássica com um toque elegante , ou criativa com pitadas de dramatismo . Compreender essa mistura é essencial para construir uma imagem autêntica e estratégica. Por que conhecer seu estilo? ✅ Autoconhecimento Ajuda a entender suas preferências e sua essência. ✅ Consumo consciente   Evita compras por impulso e define melhor seu guarda-roupa. ✅ Comunicação não-verbal   Sua roupa fala por você. ✅ Potencialização da autoestima Vestir-se conforme seu estilo fortalece sua identidade. Os 7 estilos universais da moda são muito mais do que uma categorização estética. São ferramentas de expressão, empoderamento e autoconhecimento . Entender seus estilos predominantes é entender quem você é e como você quer ser vista no mundo .

Nascimento e Origens Rei Kawakubo nasceu em 11 de outubro de 1942 , em Tóquio , no Japão, durante um período turbulento da história global. Ela cresceu em uma sociedade rigidamente estruturada, marcada pelas consequências da Segunda Guerra Mundial, e isso influenciaria profundamente sua visão estética futuramente. Filha de um administrador da Keio University, Kawakubo teve acesso a uma educação formal sólida. Curiosamente, ela não estudou moda , mas sim arte e literatura na Keio University , graduando-se em 1964 com especialização em história da estética ocidental . Esse pano de fundo acadêmico mais filosófico e artístico explica sua abordagem conceitual e quase filosófica ao design. Início de Carreira Após se formar, Rei Kawakubo começou a trabalhar no departamento de publicidade da empresa têxtil Asahi Kasei  e depois passou a estilizar roupas para sessões de fotos, o que despertou seu interesse pela criação de peças próprias. Em 1969 , fundou sua própria marca: Comme des Garçons , que significa "Como os Garotos" em francês uma escolha que já revelava seu desejo de romper com as convenções de gênero e estilo. A Ascensão com Comme des Garçons A Comme des Garçons  começou vendendo roupas para mulheres, com uma estética minimalista e andrógina. Suas peças causavam estranhamento formas desestruturadas, cores escuras (principalmente preto), silhuetas que escondiam o corpo, e uma recusa clara às noções tradicionais de beleza e sensualidade feminina. Em 1975 , ela abriu sua primeira loja em Tóquio. E em 1981 , fez sua estrondosa estreia em Paris , com uma coleção que foi apelidada de " Hiroshima chic " pela imprensa ocidental devido às roupas desgastadas, com buracos, assimetrias e cores sombrias. A crítica se dividiu: enquanto muitos a rejeitavam por achar "feia", outros a celebravam por seu arrojo artístico. Estilo e Filosofia O estilo de Kawakubo quebra fronteiras entre arte e moda , entre o belo e o desconfortável. Ela trabalha com a ideia de "anti-fashion", ou seja, criar moda que desafia os próprios fundamentos da indústria. Principais características de suas criações: Desconstrução de formas tradicionais Uso predominante do preto, especialmente nos anos 1980 Volumes exagerados, silhuetas distorcidas Roupas que questionam o gênero, o corpo e os padrões de beleza Inspiração em temas como vazio, morte, envelhecimento, ausência, imperfeição Kawakubo raramente explica suas coleções. Ela acredita que a interpretação deve ser livre  e muitas vezes se recusa a dar entrevistas, mantendo-se enigmática, silenciosa e extremamente coerente com sua visão artística. Trabalhos Marcantes Comme des Garçons Homme Plus  (linha masculina com pegada conceitual) PLAY  (linha casual e mais comercial, com o famoso coração com olhos criado por Filip Pagowski) COLABORAÇÕES  com marcas como Nike, Converse, Louis Vuitton, Supreme, e até com a IKEA Dover Street Market : loja conceito criada por ela, que mescla moda, arte e cultura, com filiais em Londres, Nova York, Tóquio, Pequim e mais Reconhecimento e Legado Apesar de ser avessa à fama e ao glamour da indústria, Kawakubo é reconhecida como uma das figuras mais importantes e revolucionárias da moda moderna.  Sua influência pode ser sentida em estilistas como Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Ann Demeulemeester, Rick Owens e muitos outros que exploram a desconstrução e o anticlássico. Ela foi homenageada com a exposição "Rei Kawakubo / Comme des Garçons: Art of the In-Between" no Metropolitan Museum of Art (Met), em 2017   tornando-se a segunda estilista viva  a receber tal honra (a primeira foi Yves Saint Laurent em 1983). A exposição foi curada por Andrew Bolton e desafiou o público a pensar moda como arte. Curiosidades Rei Kawakubo quase nunca aparece em público e raramente concede entrevistas. Em desfiles, ela não aparece ao final para os aplausos diferentemente de outros estilistas. É casada com Adrian Joffe , que também é CEO da Comme des Garçons e da Dover Street Market. Ela não desenha as roupas  com lápis ou papel: muitas vezes dá ideias com palavras ou sentimentos, e sua equipe traduz em forma. Embora muito intelectual, ela se define como uma criadora instintiva , dizendo que cria "a partir do nada". Livros sobre Rei Kawakubo “Rei Kawakubo: Art of the In-Between” (2017)   Catálogo oficial da exposição do Met, com textos de Andrew Bolton. Essencial para entender sua estética e impacto. “Fashion Visionaries” de Linda Watson   Inclui um perfil de Kawakubo entre outros grandes nomes da moda. “The World of Comme des Garçons” de Vogue On Designers Uma coletânea sobre a história e influência da marca. “Rei Kawakubo and Comme des Garçons” (Thames & Hudson)   Um guia visual e conceitual das coleções mais marcantes. Documentários e Vídeos Embora ela mesma evite exposição, há alguns conteúdos disponíveis: “Fashion Rebels: Rei Kawakubo”  – Episódios em YouTube e canais de moda sobre seu impacto. Vídeos da exposição do MET  em 2017 (disponível no YouTube e no site do museu) Entrevistas com Andrew Bolton  (curador do Met) sobre seu trabalho com Kawakubo Documentários sobre moda japonesa dos anos 80 frequentemente mencionam seu trabalho, como “Japanese Avant-Garde Fashion”  (BBC, raridade online) Frases icônicas de Rei Kawakubo “Para mim, o corpo não é algo bonito ou não bonito. É apenas um lugar para as roupas estarem.” “Minha intenção sempre foi criar algo novo, algo que nunca existiu.” “O espírito da rebelião é essencial.”

Poucos nomes na moda causaram tanto impacto quanto o de Martin Margiela  e paradoxalmente, ele fez isso evitando completamente os holofotes. Enigmático, visionário e provocador, Margiela redefiniu o conceito de moda contemporânea com suas criações desconstruídas, sua crítica ao sistema e seu completo desprezo pela fama. Esta matéria explora quem foi esse criador misterioso, suas contribuições mais icônicas e as obras que ajudam a entender seu legado. Quem é Martin Margiela? Martin Margiela nasceu em 9 de abril de 1957 , em Leuven , uma pequena cidade na Bélgica . Criado em Genk, ele se interessou por moda desde pequeno, encantado por revistas e pela televisão italiana que via com a avó. Estudou na prestigiada Royal Academy of Fine Arts , em Antuérpia a mesma que formou os famosos “Seis de Antuérpia”, embora ele não fizesse parte oficialmente do grupo. Início da Carreira Após se formar, Margiela trabalhou como assistente de ninguém menos que Jean Paul Gaultier , entre 1984 e 1987. Essa experiência moldou sua compreensão sobre a alta-costura e, ao mesmo tempo, o motivou a romper com as normas. Em 1988 , fundou sua própria marca: a Maison Martin Margiela , junto da parceira Jenny Meirens. Desde o início, o designer optou pelo anonimato. Nunca deu entrevistas, não aparecia no final dos desfiles e evitava a imprensa. Sua proposta era o foco deveria estar na roupa, não na pessoa por trás dela . Estilo e Estética Martin Margiela ficou conhecido por sua abordagem radical, desconstruir a roupa para reconstruir o olhar do público . Suas peças revelavam costuras, forros, estruturas internas transformando o “imperfeito” em estética. Ele expunha o esqueleto da roupa como forma de contestação da superficialidade da moda. Outros elementos marcantes: Uso de materiais reciclados  e reaproveitados (upcycling antes de ser tendência). Numeração enigmática  nas etiquetas, sem nome visível: apenas uma sequência de 0 a 23, em que cada número representa uma linha da marca (ex: 6 para moda feminina, 10 para masculina, 22 para acessórios). Modelos com rosto coberto , roupas que pareciam inacabadas ou deformadas, peças oversized. Momentos Icônicos e Trabalhos Importantes 1989 : Primeiro desfile da Maison Margiela em Paris. Foi um escândalo. Crianças da comunidade desfilaram junto das modelos profissionais, em uma passarela improvisada em um bairro periférico. 1997-2003 : Margiela assume a direção criativa da linha feminina da Hermès . Em um movimento totalmente oposto à sua própria marca, cria roupas minimalistas, atemporais e elegantes. Isso provou sua versatilidade como criador. 2006 : A marca é adquirida pelo grupo OTB, de Renzo Rosso (Diesel), e Margiela começa a se afastar da Maison. 2009 : Sua saída é confirmada, mas ele se retira sem alarde, como viveu toda sua carreira. Desde então, vive completamente fora do radar midiático. O "mito" É considerado o padrinho da moda conceitual  e influenciou nomes como Demna Gvasalia (Balenciaga), John Galliano (que assumiu a Maison Margiela em 2014), e Rei Kawakubo. Documentários sobre Margiela Apesar do silêncio, Martin Margiela quebrou parte do mistério em 2019: Martin Margiela: In His Own Words  (2019) Direção: Reiner Holzemer O documentário mostra Margiela narrando sua trajetória  com sua própria voz, mas sem revelar o rosto. Repleto de imagens de arquivo, entrevistas com colaboradores e reflexões sobre o que é o anonimato, o sistema da moda e a criação. Livros sobre Martin Margiela "Maison Martin Margiela"  (Rizzoli, 2009) Catálogo visual e histórico da marca até a saída de Margiela. Inclui fotos raras e análises de peças icônicas. "Margiela: The Hermès Years"  (Lannoo Publishers, 2017) Analisa a passagem discreta e sofisticada do estilista pela Hermès. "Martin Margiela" por Rebecca Arnold Aborda seu impacto acadêmico e filosófico no campo da moda. “Nunca fui contra a moda. Só queria que ela fosse algo mais do que vender imagens” — Martin Margiela

Etapas 1. Pesquisa e inspiração 2. Design (croqui e ficha técnica) 3. Modelagem (plana, moulage ou digital) 4. Corte 5. Costura 6. Acabamento 7. Etiquetagem e embalagem 8. Controle de qualidade 9. Comercialização 1) Pesquisa e Inspiração (Pesquisa de Tendências ou Pesquisa de Estilo) Aqui tudo começa: o momento de absorver referências visuais, culturais, históricas, comportamentais e mercadológicas. Pode incluir: Moodboards Estudo de tecidos e paleta de cores Pesquisa de tendências (feiras como Première Vision, WGSN, passarelas) Referências artísticas, cinematográficas ou pessoais Objetivo:  definir a direção criativa da coleção ou peça. 2. Criação / Design Agora é hora de transformar as ideias em croquis e fichas técnicas. Envolve: Desenho de moda (à mão ou digital) Escolha de tecidos, aviamentos e acabamentos Estudo de funcionalidade e estética Ficha técnica (documento com todas as especificações da peça) Aqui a peça já começa a tomar forma visual. 3. Modelagem Transforma o croqui em moldes reais e funcionais que permitirão cortar o tecido no formato correto. Pode ser feita de três formas: Modelagem plana (papel) Moulage (manequim) Modelagem digital (CAD, 3D) É a engenharia da roupa. Define estrutura, proporção, encaixe e caimento. 4. Corte Com os moldes prontos, é feito o corte do tecido, seguindo as especificações da modelagem. Inclui: Encaixe dos moldes no tecido (planejamento para evitar desperdício) Risco e marcação Corte manual ou automático (máquinas de corte industrial) Aqui o cuidado é crucial para garantir que tudo saia com exatidão. 5. Costura / Montagem da Peça As partes cortadas são unidas por costureiras ou máquinas, dando origem à estrutura final da roupa. Pode envolver: Costura reta, overlock, pesponto, entre outras técnicas Prova de peça (ajustes) Acabamentos internos (reforços, forros, limpezas de costura) É quando a peça finalmente ganha corpo tridimensional. 6) Acabamento Essa etapa refina e valoriza a peça. É o toque final antes da peça ser considerada pronta . Inclui: Bainhas Aplicações Botões, zíperes, rebites Lavagens especiais (jeans, por exemplo) Vaporização ou passadoria técnica Controle de qualidade visual e técnico Aqui se garante que a peça está linda, funcional e durável. 7) Etiquetagem e Embalagem A peça recebe: Etiquetas (com marca, composição, cuidados) Tag de papel Embalagem (individual, ecológica ou de envio) Essa etapa também faz parte da experiência de marca. 8) Controle de Qualidade Profissionais avaliam se a peça: Está com costuras corretas Respeita o molde Tem acabamento limpo Está sem defeitos no tecido ou montagem Essa etapa é essencial para evitar devoluções e garantir confiança. 9) Comercialização / Distribuição A roupa finalizada segue para: Lojas físicas E-commerce Atacados ou multimarcas Brechós ou marketplaces (no caso de reuso) Aqui entra o marketing, branding, campanhas e exposição. É quando o público finalmente vê (e deseja) a peça, chegando assim ao consumidor final.